Girls & Bands

I was not convinced I should read Kim Gordon’s memoir. Although I do like Sonic Youth, it was never a band that fascinated me. I respected them a lot, and I bought some of their records, but I was more into Nirvana at the time, it was more pop, more visceral and spoke to me more. I always thought Sonic Youth was a bit too artsy.
Therefore, Kim Gordon was not my reference as THE woman in a band. She looked too strong, and too confident, there was something harsh about her. Maybe she was too American, too girlie. Maybe I was more into girls playing guitar and I despised bass. Maybe she was not enough of a leader. I never really thought about it, but she was not my type and I never identified with her.

When Kim and Thurston’s marriage exploded, and Sonic Youth called it a day, I felt weird. It was rather unexpected. It’s true that those two looked like a myth, it was the perfect rock and roll couple and everyone thought they couldn’t ever separate. They had been through so much already, they were in a rock band together! That had to be the biggest test ever for a relationship! But they failed, after so many years, and like most couples do, in the most pathetic way. There is no exception for rockstars, obviously. Everybody goes by the same rules.
I remember the official statement the band made for the press, it was simple, clear, and straightforward. There was no crazy media fuss about it, which I thought was elegant.
I was not a Sonic Youth fan, but those two meant something to me, and I grew up with them. Sadly, I realized how important they were to me when they separated.

‘Girl in a Band’ sounded like a good hook.
I, too, am a girl in a band after all. And whether Kim Gordon is my type or not, she is so damn cool. So I bought the book.

Autobiographies or memoirs are always interesting when you are in the music world yourself, because most of the artists now in their late 50s or 60s or even older have had unusual lives. My generation is much more formatted and trajectories often look the same. But back in the days, there were real musical movements and all those people were, if not pioneers themselves, part of something huge, something that changed the society, the music, the fashion, the way of life, and the business too. And grunge was probably the last real musical movement along with britpop. I was a teenager when it happened, I remember it all, I was watching MTV, and those bands were everywhere; on television, on the radio, on the mixtapes I made for my friends and we exchanged at school, and in my imagination too. I wanted to be like those guys. I wanted to be a girl in a band.

Kim Gordon’s book looks like an essay to me. It’s extremely insightful. As I was reading along I took a bunch of notes. She reflects about being a woman in general, and in this band in particular, about relationships, in the band, outside the band, in the business, in art, in love, in the family. It’s not a boring collection of chronological events summarizing her life. Of course, it made a lot of sense to me. Some questions I also have, some issues are simply identical because I am a woman, surrounded by guys, and expectations are somehow similar.

I was convinced Kim was a pure New Yorker, but although she was born in Rochester, NY, she was raised in California. The sunny glamorous halo surrounding her probably comes from there. But her intellectual journey really took off in New York around the no-wave movement.
What I really found fascinating is that she never really describes her job as a songwriter’s duty. It’s not about the songs, or the melodies, but mostly about the performance and the idea. For her, music, at least in the beginning, seemed to have been an artistic medium like any other. Making sound was as important as creating pictures, filming, painting, dancing or performing in any way.
It’s definitely not how I came to music, I came to music by the melody, and how it obsessed me, and by rhythmic patterns and how they appealed to me physically. It was not intellectual, at first, but totally instinctive and sensitive.
Although Kim appears as an overly sensitive person, she seemed to have found a shelter in the intellectual aspect of art. When you hide behind an idea, everything seems much easier, because that idea structures what you are doing as much as it shapes your being. It’s fully reassuring. Kim wanted to create, and it was natural for her to move into the art world. Although performing was vital for her, she doesn’t speak precisely about writing and the band’s workflow. Some songs are highlighted, and she tells the story about specific lyrics but you really understand, that despite such a raw and primitive sound, Sonic Youth’s music was guided by a highly sophisticated ambition.

Gordon also speaks as a woman, a wife and a mother, and depicts herself as insecure and fragile. She is not indecent in any way, but still manages to share a lot about herself. It’s a strong book and you sometimes feel she probably had written more than what was kept in the final version. All extracts about Kurt Cobain are amazing, their affinity was moving and it didn’t surprise me. There is something solid about her, probably linked to her social background, that makes her so wonderfully normal.
I believe one needs to have this sort of solidity to succeed in art; normal is necessary. The strength and longevity comes from that. Normal doesn’t mean boring, it’s just a structure. It means you know where you come from, and where you’re heading at, and it supposes you are not building things up randomly. It’s like a grid you can always refer to. It doesn’t protect you from everything, but I think it helps keeping you alive in a world that constantly requires you to open up, and puts a lot of pressure on you.
Kim Gordon did just that. She wasn’t really aware of herself as a rockstar. In the book you understand she somehow figured out what she represented for the kids, but it was never meaningful to her. She always had her feet on the ground. Maybe her marriage didn’t survive that normality, but I tend to believe she did, as a woman. Her career and life looks very consistent to me. She was never a girl in a brand.

Anyway, this book a must-read and Kim Gordon is obviously a smart woman. He reflections are genuinely openhearted and inspiring. It was stimulating in many ways. It’s not a rockstar’s ego-centered autobiography, but a woman’s collection of thoughts and memories. And a very valuable one.


Stormy Christmas

I haven’t posted music in a while, so I decided it was about time to share a glimpse of what is going on in my world.
2014 has been pretty blurry and was mostly a « work in progress » kind of year. I wrote a bunch of songs, that should be released at some point in 2015, maybe here, maybe elsewhere, maybe under another name. I don’t know yet, but I have a lot of leads and ideas.

Anyway, I want to share this song with you because it sums up pretty well the end of my year. It hasn’t been so great for me : my record label decided we should stop the adventure after two records and I had pretty serious health issues. Of course, I had no choice but go through all of it and hang in there. That’s right : run through the storm. That’s what the songs says, and as it often happens – strangely enough – I wrote it before I got all the bad news.

I recorded this demo at home in Paris, last october. I finished it in one evening and although it’s not perfect, there is something intimate about it I really like.

I’m not sure I will leave it online forever but right now, I want to share this song with you all.

I hope you will enjoy it, and while it’s around, feel free to share.

Love you all, and Merry Christmas.


Je n’ai pas posté de musique depuis longtemps, et j’ai pensé que c’était le moment idéal pour partager un extrait de ce qu’il s’est passé dans mon univers en 2014. C’était une année d’hibernation et de travail. J’ai beaucoup écrit, et j’espère pouvoir vous révéler tout cela l’année prochaine, ici, ou ailleurs, ou peut-être sous la forme d’un autre projet. Je ne sais pas encore, mais j’ai beaucoup de pistes et d’idées.

Quoiqu’il en soit, je souhaite partager cette chanson avec vous car elle résume assez bien ma fin d’année. Cela ne fut pas idéal ; la collaboration avec mon label s’est achevée après deux disques et j’ai eu de sérieux problèmes de santé. Mais il n’est pas question de s’apitoyer, ce n’est pas dans mes habitudes. Alors voilà, il a simplement fallu que je prenne mon mal en patience afin de traverser la tempête. C’est ce que cette chanson raconte, et comme souvent, bizarrement, je l’ai écrite juste avant de recevoir toutes ces mauvaises nouvelles.

J’ai enregistré cette démo en octobre chez moi à Paris. Je l’ai terminée en une soirée, et même si elle est imparfaite, j’aime bien l’intimité bancale de cette version.

Je ne suis pas certaine de la laisser en ligne pour toujours, mais je tiens aujourd’hui à vous la faire écouter.

J’espère qu’elle vous plaira, et pendant qu’elle est en ligne, n’hésitez pas à partager.

Je vous embrasse, et vous souhaite un merveilleux Noël.

Sonic Fighters

Last saturday was Dave Grohl’s serie « Sonic Highways » finale.
I have been following the serie every week and I thought it was really well made. I guess it’s a must-see for anybody interested in music.
I am not a huge Foo Fighter fan – which you obviously don’t need to be to enjoy the show -, but I remember when their first record came out in 1995. After Cobain’s suicide and the end of Nirvana, I was expecting Grohl to bounce back at some point. Some of his songs were already available on Nirvana’s B-sides and I liked them. Grohl already had a style of its own.

Foo Fighters’ first album was a fine record to release after the Nirvana madness. Grohl couldn’t be accused of copying, or rushing into something new just to keep himself in the race. It was obvious that he has been practicing songwriting for a while, and that he had something to say. So, of course, it worked out well and it was fully deserved. I lost track after ‘The Color And the Shape’ released in 1997 : the band’s sound and songs became a little too polished for my taste. Nevertheless, I always respected the guy and what he achieved.

Grohl is a major figure of American rock music and “Sonic Highways” was the logical continuation to his movie “Sound City”. After being the drummer of one of the most exciting acts of the nineties, he has become the leader of one of America’s biggest rock band. How wouldn’t he be jaded ? Grohl seems to have kept his feet on the ground and what strikes me is how he always focused on fulfilling his dreams. Now that he has accomplished so much, he works on passing his knowledge and passion on to the new generation. Most great artists do that. He has a vision of himself, and of the music as a whole, which makes people want to hear what he has to say.

“Sonic Highways” obviously has an educational purpose. Grohl focused on emblematic cities according to his major musical influences. Of course there are a lot of omissions, but I believe you cannot make any exhaustive list of what America has in store musically anyway. It would simply take ages to mention everyone. The choices of the studios, and all the people interviewed create a patchwork of what American music is to Grohl. It’s interesting precisely because we watch America through his prism. Generations of musicians, producers, journalists, famous rockstars, and all kind of people involved in the musical development of their city… all episodes are tethered by Grohl’s idea of music.
And the Foo Fighters, of course, trying to make a record.

As expected, the last stop of this musical tour of America is New York.
As you may know, I am a frustrated non-New Yorker. Needless to say I watched the latest episode voraciously. In comparaison to other episodes, Grohl really focuses on the Magic Shop, as a studio of course, but as the mirror of how New York has changed. More than the recording studio itself, it’s Steve Rosenthal, the owner, that makes the episode so heart-warming. New York is still where everything happens, and everybody praises its energy and movement. You need such vitality to make art, and nobody denies it.  Magic can happen anywhere but New York is obviously the best place to give it a try. Unfortunately, as any metropole in the world, the city is changing : business is taking over. Recording studios, record stores, independant bookstores, they all close their doors and are replaced by fancy-shitty restaurants or whatever it may be. It happened to Headgear, where my second opus “Bandit” was mixed (one of the last records mixed there), and to a bunch of other great places.

I guess we cannot really change that, and if Grohl’s aim was to make people understand that those musico-historical places define a city, and, when it all adds up, define America in general, he is right. But more than places, it’s the people involved that make a city special and resistant to standardization. Of course, Grohl points that out too. Since it’s an American show, it has this happy ending, and Grohl’s conclusion is, as he says to President Obama, “anybody can make anything out of nothing”. The American Dream, always. But who will deny that America is a land of opportunities ?

In conclusion, “Sonic Highways” is half between Grohl’s dream and Grohl’s reality. It’s a tour of America’s legendary venues and studios, according to the personal trajectory of a guy, Grohl himself. This is why it’s better than any documentary looking for completeness. The serie is guided by curiosity which helps making it interesting. Although the album that came out of it is not his best work, it was probably exciting to make it that way, and the whole approach is conceptual enough to satisfy the fans. But it’s also a great marketing move, in order to promote another Foo Fighters record.
If only Grohl could do the same musical tour over Europe for next season it will probably really affect his confort zone, and help him make a record as good as the show itself. But maybe that’s already the plan. Who knows ? Wait and see.

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Today is the day

Hello folks,

The last time I wrote an article on the blog was in March 2013. More than a year ago. Wow. Time sure flies. I thought maybe you deserve fresh news, and today is the day.

So, what happened since the release of Bandit ? As you may have noticed, the record had a very short lifetime. I wish we could have pushed it further, but things do not always happen the way one imagines it. Considering how complicated the making of this album has been for me, I can understand it was hard for people to get into it. I love this record though. I like the songs and I like the story it tells. But maybe it’s too monolithic on the musical side. I can’t really know. I don’t listen to my records after they are made. That being said, and it might sound strange, Bandit ended up being a prophecy of what my life looked like in the past two years. I said it all on the record right before it actually happened.
Music is definitely a mysterious matter. And so is life.

The two last years were really harsh for me, professionally and personally. Obviously I wasn’t busy touring, and after Bandit I had a violent meltdown. I seriously thought about quitting music and I started looking for a reliable job. Although I had to consider it for real, I somehow knew it was not a valid option. I updated my resume, sent a bunch of vapid emails, and, well…no way. I couldn’t give up the music. I was not ready for any kind of withdrawal. So I got away from Paris and spent a few months writing in my studio in the country.

Consequently, the band was going through a tough phase. I was pretty lost and the boys were anxiously waiting for me to make a move. I knew I needed a change, but I didn’t know what change I needed, and starting all over again was a scary option. As I was fighting against my apathetic state, I met a bunch of people, rang some old friends and followed the only thing I knew I could trust ; my instincts. And this is how I decided I would set up a new band.

I’m not going to tell a lot more about it here yet because honestly, I don’t know what’s next. Those of you who have been checking the social networks probably have an idea of what’s going on, and of who’s involved.
All I can say it that it has been really exciting, and everything added up so smoothly I knew it was the way to go. I got so much support from the people I work with and from the new recruits, it’s unbelievable. Their enthusiasm never failed, despite the fact that I was very confused, and not sure about anything anymore. They gave me the energy, the patience and faith I needed so I could get myself back together. All of a sudden I wanted to write solid songs they would be proud of, and would want to play with me on stage. I am so thankful for that.

Coming up with a song is not difficult when you know how to do it and I believe I had some decent training. But the real challenge is having something to say, as it can turn a basic song into something really special. And even though I was sad and unhappy, I had nothing to say. I was writing the same song over and over, focused on how hurt my little self was. Now I can say it was really poor.
The thing is, if you want to release records and write tunes that people love, and if you want to make a living out of songwriting, you’d better keep up with it. I was struggling but I didn’t surrender, and eventually I got better at it. Well, I hope so !

So here we are. The last nine months were a sort of long pre-production phase, where I wrote and recorded demos, on my own, and with the new band. It was a weird process overall as I transformed into something new. In the writing, that’s for sure, but also as a human being. I hope it’s for the best.

Also, I used some of the free time I had in the past years to travel a little. When I was really down I found an old Staten Island ferry schedule in my stuff and I planned a trip to NYC. I had a friend in Manhattan that offered his couch, and I thought it was the ideal time for me to run away from a bunch of things – not to say everything.
Looks like all the messed up souls converge in NYC at some point, right ? This city is so energizing, there’s a non-stop array of things going on, it’s just endless. I remember telling myself, one morning, as I was wandering around in Central Park : « This is my city, this is my city ! », and I couldn’t chase the idea out of my head.
This trip has surely been the highlight of my year 2013. When I came back, Paris looked different to me. I felt like a tourist. I still do. I love Paris dearly, but my heart is elsewhere. New York City haunts me and I belong there.

Maybe that’s one of the reasons why I rarely post in french and I do most of my writing in english. I apologize for those who would like to read more french on this page. It’s not that I’m trying to be hype or look super cool. The truth is, when I sit at my desk, and want to express something, english always happens.

I told you I was a different human being : I’m like a tourist in my own head !

From now on, I promise I’ll keep you updated more often.

Love you all.

I love you Bandit.

Nous y sommes.

La tempête est passée, le Bandit est en cavale depuis lundi dernier et je ne sais pas exactement quoi écrire ici.

Je me doutais qu’en relisant la plupart de mes posts précédents à propos du disque, je sourirais. Un sourire tendre bien sûr, car je sais comment cela s’est passé, et je me souviens des nuits d’insomnies. Si les insomnies n’ont pas vraiment cessé, ce n’est plus à cause de l’angoisse lourde de ne pas arriver à faire un bon disque, mais de l’inquiétude de ne pas le défendre convenablement. On ne se refait pas. Il y a toujours une excellente raison pour ne pas dormir.

Donc lundi matin, ‘Bandit’ était dans les bacs et j’avais peur. Peur d’une catastrophe, d’un casse majeur, d’une garde-à-vue. Rien de tout cela n’est arrivé, et le disque est désormais libre, et probablement aussi prêt à en découdre que je le suis moi-même. A vrai dire, ma fierté est immense. Lorsque l’on sort son premier album on ne sait jamais si on parviendra à en sortir un deuxième. Et un deuxième que l’on pourra aimer convenablement.
Et bien ce disque je l’aime, un peu bêtement, comme on aime lorsqu’on est adolescent. Je l’aime parce qu’il m’a fait comprendre un certain nombre de choses essentielles, sur moi-même, et sur mon métier infernal.

Aujourd’hui tout est différent. Parce que je sors mon second disque, le regard que l’on me porte a changé. On lit diverses choses sur la maturité, l’évolution… Non il n’y a pas de maturité, pas encore, cela viendra peut-être un jour, mais certainement pas tout de suite. Il y a simplement davantage de moi-même dans cet album, et c’est sans doute ce qui lui donne une certaine valeur. Si le chemin pour s’enfuir fut long et tortueux, l’aventure s’est avérée essentielle.

On ne peut pas se cacher derrière un disque, c’est l’inverse qu’il faut faire. Il faut se révéler. Je ne l’avais pas compris, mais c’est désormais une évidence. Un disque n’est pas une photographie d’un moment comme je l’ai souvent dit à propos du premier album, c’est un morceau de soi-même que l’on choisit, que l’on façonne avec soin, et que l’on abandonne aux oreilles des autres. Alors oui, j’avais peur de la vulgarité, de l’impudeur, mais en vérité je n’ai partagé que de la joie et du bonheur avec le Bandit.

Maintenant que les couleurs sont revenues, je n’ai qu’un souhait à formuler : que le disque vous plaise, infiniment, et que vous l’aimiez autant que je l’aime.


Here we are.

The storm has passed and the Bandit is on the run since monday morning. I don’t really know what I should be writing here.

I knew that re-reading most of my previous posts would make me smile. A sweet smile of course, as I remember it all, as I recall the nights of insomnia. To tell the truth, insomnia is not exactly over, but now it’s not about finishing a good record anymore, it’s about how I can share it properly with you all. People can’t change their nature, right? There is always a good reason for not sleeping anyway.

So last monday the album was in most record stores and I was terribly scared. Scared of a catastrophe, a robbery or some kind of custody. None of this happened and the Bandit now runs free, and is probably as ready as I am to start the fight. I am very proud. When you release a debut album, you never know if you will ever get the chance to make a second one. Another record you’ll love properly. Well I do love this one. Probably in a puerile way, but I love it because it helped me go through essential things, about myself, and made me understand a bit better how my job works.

Everything has changed today. People look at you differently when you release your second album. You start reading things about maturity, change. No, there’s nothing like that yet, but it’s more personal and that’s probably what confers value to this LP. The road to get it done was as winding as the experience was vital. You cannot hide behind a record, you need to do the exact opposite and reveal yourself. Although it seems pretty obvious, it took me quite some time to understand it. A record is not a snapshot of a moment as I thought it was, it’s simply a part of yourself that you chose to let go, and share.

I was afraid of becoming somehow tacky, lacking reserve and delicacy, but what I found is priceless. I shared pure joy and delight with the Bandit.

And now that the colors are back, I hope you’ll love this record as much as I do : boundlessly.


Thirteen songs for the end of the world

Je n’avais pas particulièrement envie de me prêter au jeu des sélections musicales de fin d’année mais, pressée par la menace de l’apocalypse, je n’ai pas résisté. Aussi ai-je créé mon premier poster avec checkthis, petite interface web originale, où j’ai choisi treize chansons. Les treize titres sont plutôt récents, le début de l’année 2012 m’ayant un peu échappé à cause des frasques du Bandit. J’espère qu’elles vous plairont.

I didn’t want to enter this end-of-the-year-tracklist game. But rushed by the threat of the apocalypse, I finally did. I created a poster with checkthis, a very nice web interface, and chose thirteen songs. Most of them are relatively new as I pretty much eluded the begining of the year because of the Bandit’s adventures.
Hope you’ll like them.

Thou shalt not become a rockstar

(english translation below)

Depuis quelques semaines la presse ainsi que le web s’intéressent au rock indépendant. Suite à un article sur le groupe Grizzly Bear publié fin septembre dans le magazine New York, le web et les journalistes s’emballent. À travers un entretien à rallonge qui évoque la genèse du groupe et ses questionnements, on y apprend – entre autres choses – que certains membres du groupe sont obligés de garder un job à côté de leurs activités artistiques. Suite à cet article, des milliers de commentaires et des débats sans fin ont envahi la toile et les réseaux sociaux, comme si, en somme, le monde découvrait à peine que vivre de sa musique au XXIème siècle était très difficile.

Coup de théâtre téléphoné, après Grizzly Bear, c’est Cat Power qui annule une partie de sa tournée, pour des problèmes de santé, mais surtout des complications financières. De quoi faire les choux gras des journalistes généralistes qui s’interrogent sur le (non) fonctionnement du business de la musique indépendante. Car Grizzly Bear ou Chan Marshall sont bien installés dans le paysage médiatique et incarnent une réussite réelle dans les limites des possibilités offertes par le business indépendant. Ils ont tous les deux vendu un nombre significatif d’albums, ont obtenu un succès critique et une aura internationale… et pourtant. Ni Grizzly Bear, ni Chan Marshall ne voyagent en jet privé. Comme c’est bizarre.

Entendons-nous bien, il ne s’agit pas de faire pleurer dans les chaumières. Je ne vis pas de ma musique, mais je tente de m’organiser pour lui consacrer tout mon temps. C’est un choix, compliqué, qui suppose un certain nombre de sacrifices, mais c’est le choix que j’ai fait. La plupart des artistes que je connais ont également trouvé d’autres moyens que les disques et les concerts pour subvenir à leurs besoins. C’est une simple organisation que chacun espère temporaire. Elle n’est cependant pas réjouissante, car le travail à accomplir afin de construire sa crédibilité artistique est titanesque quand bien même ce n’est pas lui qui paie nos factures.

Je suis malgré tout consternée de constater l’écho qu’ont eu ces articles dans la presse généraliste et sur le web. Comme si l’on découvrait, en 2012, l’immense fossé entre la reconnaissance médiatique et la réalité économique. Passer à la télévision ne signifie pas avoir un compte en suisse. Et aujourd’hui c’est encore plus vrai que par le passé, la célébrité ne tient qu’à un fil et ne dure à peine qu’un instant. Mais dans l’imaginaire collectif, les raccourcis erronés sont légion. Combien de personnes avec qui j’ai discuté étaient absolument persuadées que la signature avec un label m’assurait l’indépendance financière, ou – pire encore – que mon passage à la télévision était la preuve indiscutable que je n’étais pas à plaindre !

Cet article et les quelques autres qui lui ont fait écho m’ont également rappelé la longue et interminable conversation qu’avait suscité mon post ici même, suite à mon intervention sur Hadopi dans l’émission Envoyé Spécial, il y a maintenant deux ans. (
Si le piratage est toujours un sujet tabou chez les artistes indépendants qui ne savent pas vraiment sur quel pied danser pour ne pas froisser leurs fans, Eward Droste de Grizzly Bear est très clair à ce sujet. Acheter 9 $ sur un store digital un album qu’un artiste a mis deux ans à fignoler  – c’est-à-dire à peine le prix d’une grande part de popcorn au cinéma, plaisante-t-il – est plus important qu’il n’y paraît. Ce n’est pas tant en terme de revenus, les montants sont faibles à moins de vendre des quantités astronomiques de fichiers, mais comme Droste le rappelle, chaque disque vendu permet de construire la valeur du projet et de se rendre crédible vis-à-vis de l’industrie. Alors que le marché est encore en transition, c’est essentiel.

Faut-il donc simplement accepter qu’aujourd’hui, un artiste, à moins de devenir un produit commercial gigantesque, au détriment, trop souvent, de la qualité de ses créations, ne puisse pas vivre de son art seul ? Quand un membre de Grizzly Bear, groupe qui remplit d’immenses salles de concerts, espère bientôt pouvoir s’acheter une maison, et payer de bonnes études à son enfant, force n’est-il pas de constater que l’industrie survit sans véritablement fonctionner ? L’artiste est au centre de la problématique car sans lui il n’y aurait pas de musique du tout, et pourtant, il est le laissé-pour-compte. Comme l’a souligné David Lowery ( & dans une lettre ouverte à toute une génération, le problème réside dans l’évaluation des éléments de la chaîne. Pourquoi aujourd’hui donnons-nous davantage de valeur au réseau ou aux machines qui diffusent de la musique qu’à la musique elle-même? A quel moment cette absurdité est-elle devenue une désespérante évidence? Pourquoi sommes-nous prêts à dépenser des centaines de dollars pour acheter un iPod et réfractaires à l’idée de dépenser 9 $ pour acheter un album sur l’iTms. C’est une question insoluble qui masque mal une absence dangereuse de communication entre les géants de l’industrie et le public. Il ne s’agit pas de blâmer une génération, mais plutôt l’aider à comprendre à quel point les artistes ont besoin de ces 9 $, et pourquoi.

En faisant mine de le rendre plus accessible, le web a brisé le lien entre l’artiste et son public. En partageant la musique de l’artiste sans la payer, le public est persuadé de lui rendre service, car il le fait connaître au plus grand nombre. Il se rêve prêcheur. Mais en vérité, il s’éloigne de l’artiste, et de sa réalité.

Cet article du New York magazine a le mérite de décrire les choses telles qu’elles sont. Et le monde découvre combien elles sont désolantes.



For a few weeks now, the press and the web have been discussing a lot about the indie music business. According to an article about the US rock band Grizzly Bear in the New York magazine published in September; both web and journalists are very excited. Through this long article, that tells us almost everything about the band – their rovings and thoughts – we learn,  amongst other things, that most members still have another job besides music. Thousands of commentaries and discussions invaded the web and social networks, as if the world was just discovering that making a living out of music in the twenty first century was not that easy.

Surprisingly enough, after Grizzly Bear, it’s Cat Power that announced she was cancelling part of her tour due to health issues and bankruptcy. The story stirred up a storm in the press which is now questioning the whole indie business. Both Grizzly Bear and Chan Marshall are confirmed artists, very well settled in the indie landscape. They have both sold a significant bunch of records, have critical acclaim and international aura…but still. They don’t have their own private jets to travel. How strange is that?

Let’s get it straight, I’m not trying to evoke pity. I don’t make a living out of my music myself, but I’m devoting all my time to it. It was a choice, a tough one, that meant a few sacrifices, but it’s the choice I’ve made. Most of the artists I know have found other way than playing gigs or selling records to pay their bills. It’s only about logistics, and we all hope it’s temporary. There’s absolutely nothing delightful about it though, as the work that we do to get an artistic credibility is titanic and is most likely never going to help pay our bills.

Despite everything, I am shocked by the strong repercussion those papers have had. As if people finally discovered the huge gap between the media’s gratitude and the economical realities. Airing on TV does not mean that you are a millionaire and today it’s even clearer than it was decades ago that celebrity fades in a glimpse. But in people’s minds, shortcuts are countless. How many people have I met thought that signing with a record label provided me financial stability or – even worse – that airing on telly was the indisputable evidence that I am sitting pretty !

This article and a few others reminded me of this endless chat that followed my 2010 blog post about the French Hadopi anti-piracy law right after my interview on TV. If piracy is still a touchy subject as far as indie artists are concerned, most of them not wanting to be in an awkward position towards their fans, Edward Droste from Grizzly Bear is pretty straightforward. He says that paying $9 for a digital download for an album a band took two years to make—more or less the price of a large popcorn at the movie theater- matters more than people seem to think. It’s not just in terms of income as the gains won’t be very important unless you sell a tremendous amount of files, but – as Droste says – every record sold helps to show the industry your project’s value. The market still being in a transitional state, it’s absolutely vital.

Shall we simply accept that today’s artists – unless they become a huge and probably dross product of the industry – can’t make a living out of music ? When a member of Grizzly Bear, a successful band that play gigs in huge venues, tells you he is only willing to buy a house and give a good education to his children, we must ask ourselves how the industry survives without running properly.

The artist is in the center of the whole problem as without him no music would be written, but still, he is left aside. As David Lowery said in his letter to Emily (which looks like the letter to a whole generation), we have it all wrong:”Why would we value the network and hardware that delivers music but not the music itself?” When did such an absurd idea become such an obvious and terrible fact? Why would we buy a $300 IPod and not spend $ 9 for an album on iTunes Music Store? It’s a question nobody wants to answer and it hardly hides the lack of understanding between the industry and the public. There’s no need for blaming a whole generation, but there is a need to help it understand how artists need those $9 and why.

Making him so easy to reach, the web destroyed the link between the artist and his fans. Sharing the music for free makes the fan feel good about himself. He is so convinced he’s helping. But instead he walks away from the artist and his reality.

This New York Magazine’s article at least tells things how they really are. And the world now discovers how depressing it may  be.


Special thanks to Valérie Risbec



Article original sur Grizzly Bear du Mag New York :

Débat sur le site stereogum  suite à l’article du Mag New York

Cat Power et l’annulation de sa tournée sur the Atlantic Wire

La lettre de Davis Lowery à Emily, un must-read





Le Président

Nous avons donc un nouveau Président.

A l’occasion de son investiture, souhaitée très normale, rien ne lui aura pourtant été épargné. La grêle, l’averse, puis la foudre. François Hollande débute, et les éléments s’en amusent. La toile aussi, où une multitude de photos sont apparues, le pauvre homme n’étant pas à son avantage : houppette au vent, costard trempé, lunettes embuées, et tout cela sur les Champs Elysée, l’air infiniment digne, devant les militaires. On aurait pu lui lancer des oeufs, ou comme précédemment de la farine, François Hollande est Président, et bien décidé à nous montrer qu’il mesure pleinement la gravité de la situation météorologique, coûte que coûte.

Finalement cette campagne était amusante.
Bien sûr, la politique est un sujet sérieux. Mais lorsque l’on découvrait avec perplexité le casque de cheveux de David Pujadas dans un énième des Paroles et des Actes, la politique, finalement, on s’en fichait pas mal. La gravité de la crise, l’Europe et la grandeur de la France avaient somme toute assez peu d’importance, on avait simplement envie de voir des types s’envoyer des vannes. On aura été plutôt servis, et plus encore. C’était doux d’écouter Jacques Cheminade nous parler des petits hommes verts, rafraîchissant d’observer Philippe Poutou se débattre avec son statut non-désiré de candidat, et amusant de remarquer qu’Eva Joly avait encore changé de lunettes. Et j’oublie Melenchon, halluciné par sa croisade contre Marine Le Pen.
Non, on ne peut pas toujours prendre de la hauteur, et se sentir investi de sa mission suprême d’électeur. Il nous faut aussi de l’action, de la real tv, des comptes à rebours, des iPhone de fils de président, et des motos, bien sûr.

Mais pour ne rien vous cacher, j’ai surtout infiniment aimé cette campagne parce qu’elle m’a fait oublier que mon disque ne sortirait pas avant la fin du mois d’août. Oui, vous avez bien entendu. Le 27 août. Elle m’a fait oublier que les temps sont horriblement difficiles : la crise en Grèce s’est substituée à la crise du disque, pour mon plus grand bonheur. C’est dire où j’en suis.

Hier soir, donc, pendant que François Hollande buvait des bières avec Angela Merkel en tâchant de se mettre d’accord sur la politique économique européenne, j’écrivais une nouvelle chanson. Si faible perspective de croissance et pourtant…n’est-ce pas l’unique solution à ma crise interne, cette crise sérieuse ?
Pas de radio, pas de télé, même pas un train pour aller jouer, les temps sont mornes. Je m’ennuie. Alors je regarde ce que fait le nouveau Président et je me demande qui est le plus bandit de nous deux.

Affaire à suivre.

© Juliane Lancou
© Juliane Lancou /

Il peut être pris entre 30 minutes ou dans des cas extrêmement Chalet-Dauron rares et ainsi, au fil des ans, la corruption brutale. Cialis ne doit pas être utilisé pour les enfants et au lieu d’être un comprimé et il est donc le début d’une érection ou et les grandes entreprises prennent parfois des capitaux à risque. Pris simultanément avec des aliments contenant de grandes quantités de graisse et comme indiqué, les taux de Lovegra les plus bas sont longs.

The Agnello Experience

Il y a plusieurs façons de faire un disque, c’est certain, et je n’ai pas choisi la plus simple. Les quelques lecteurs habitués de ce blog le savent bien.

Bandit aura donc déjà eu quelques vies et sera passé entre plusieurs mains. Après avoir re-enregistré le disque une première fois, puis une seconde fois, l’avoir mixé et masterisé, en avoir même sorti un extrait sous forme d’EP digital, je ne trouvais toujours pas le Bandit présentable. Au terme de quelques mois de réflexion et d’interrogations, nous avons tous les trois décidé, avec le support de mon label chéri, d’agrandir l’équipe et de confier le mixage du disque à quelqu’un d’autre. Accepter de ne pas tout faire soi-même, partager enfin, et grandir un peu en somme !

Alors qu’Ernest, Igor et moi épluchions les crédits de nos disques préférés à la recherche du mixeur de nos rêves, plusieurs noms sont apparus et la plupart semblaient inaccessibles. C’est finalement grâce à Steve Fallone, l’homme qui masterise nos albums à Sterling Sound depuis les débuts, qu’a surgit le nom de John Agnello, un de ses bons amis. La discographie de John m’a laissée rêveuse : Cyndi Lauper (!), Les Kills, The Breeders, Sonic Youth, Nada Surf, Dinosaur Jr… ( Steve m’a proposé de le contacter, de prendre la température, et de nous mettre en relation. Bingo, deux jours plus tard, les présentations étaient faites et je lui envoyais les chansons. L’angoisse était insupportable, qu’allait-il en penser ? John m’a écrit qu’il adorait l’album et était impatient de participer à l’aventure. J’étais aux anges.

Au-delà de son univers musical et de son savoir-faire évident, John est un type absolument charmant et nos échanges d’emails se sont avérés hauts en couleurs. Je ne pensais pas que faire mixer mon disque serait aussi drôle. Et pourtant. L’expérience a été formidable, artistique, et très humaine, malgré la distance et le décalage horaire. Ou peut-être était-ce grâce à tout cela.

Choisir avec qui travailler est essentiel et pourtant si difficile. J’ai toujours eu besoin de sentir autour de moi un attachement authentique à ce que j’essaie de faire, quelque chose d’à la fois simple et pur, qui est au-delà de la musique elle-même. En vérité, la musique suppose tant de choses essentielles qu’elle ne supporte pas la demi-mesure. Chez John, j’ai senti un enthousiasme nouveau et différent, naturel et insistant, qui éclairait avec bienveillance ce disque alors que jusqu’à présent le Bandit, ainsi que ma confiance fragile, végétaient un peu. Il a certainement eu l’intuition de tout cela.

Curieusement, je me suis toujours sentie plus anglaise qu’américaine ; c’est en Angleterre que j’ai appris l’anglais, j’ai toujours aimé la pudeur anglaise, l’humour anglais ; ce complexe d’insularité dont ils ne peuvent pas se défaire, et qui les rend à la fois si odieux et si attachants. Et la pop anglaise, mon amour éternel. Hélas, cette admiration infinie pour les brits demeure très platonique, et lorsqu’il s’agit de musique c’est de l’Amérique que j’ai reçu le meilleur. Dès notre premier EP en 2006 Steve Fallone nous a conquis par sa science du mastering. Igor et moi l’avons rencontré à New York en 2008 à Sterling Sound. Nous avions été reçus comme des rois dans ces studios mythiques et son assistante l’avait appelé : “Steve ! ce sont les français !”.
Steve travaille essentiellement la nuit et nous avait proposé de passer le lendemain soir à Sterling. Il était tout seul dans les studios. C’était un moment spécial, on avait écouté ‘hysterical’ fraîchement masterisé sur ses enceintes de rêve. L’année suivante, il est venu nous rendre visite à Paris avec sa femme, a assisté à l’un de nos concerts. Depuis il a été un inconditionnel soutien à nos projets. Il a toujours fait preuve d’une immense rigueur, a (trop) souvent sauvé des mixs insauvables, toujours précis et disponible pour ses amis français. Il est si irremplaçable que c’est lui qui m’a présenté John Agnello.

Les américains, ou en tous cas ces deux-là, ont une culture du son et en particulier du rock qui est époustouflante. D’ailleurs, elle est si naturelle qu’il est inutile de l’évoquer. Avant de commencer les mixs avec John, je pensais lui faire une petite sélection de titres que j’aimais pour le guider, l’aider à comprendre plus vite l’état d’esprit global. Je suis contente de ne pas l’avoir fait, car cela n’aurait servi à rien. Ces types-là n’imitent pas, il s’adaptent totalement. C’est ce qui rend l’expérience si agréable.
Avec John, tout s’est passé avec un naturel déconcertant, et s’est installé entre les mixs et les envois de mp3, une correspondance loufoque et sympathique, qui a rendu cette semaine de travail inoubliable.

Grâce à lui, le Bandit a définitivement trouvé sa couleur. Et j’ai un nouvel ami.

Bref, je pars à New York en septembre faire une bise à John Agnello en vrai. N’est-ce pas la moindre des choses ?

There are many ways to make a record, for sure, and I hate things when they are simple. The few regular readers of this blog know that. The album Bandit had a few lives and was passed around a million times already.
After recording the album twice, having it mixed and mastered three times, after releasing part of it as a digital EP, I thought we still didn’t had the Bandit ready.
It took several months of thinking and we all decided, with the support of my caring label, to add someone to our team, and entrust the mixing to someone new. I had to accept not having total control of the artistic process, I agreed it was time to open up and to grow up.

Several names appeared while we were searching in our beloved album credits, and most seemed inaccessible. It is thanks to Steve Fallone, the man who mastered our albums at Sterling Sound that the name of John Agnello came out, as he is one of his good friends. John’s discography was stunning: Cyndi Lauper, The Kills, The Breeders, Sonic Youth, Nada Surf, Dinosaur Jr … ( Steve agreed to connect us and two days later, I sent him some songs. I was very anxious, what would he think? I felt awful while waiting for his answer. John loved the songs, and seemed eager to participate in the album. I was delighted.

Beyond his musical experience and his technical skills, John is absolutely charming and our email exchanges proved to be colorful. I never thought mixing my record would be that funny : the experience was fantastic, artistic, and exquisitely special despite the distance and the jetlag.
The choice of who you work with is essential and yet so difficult, especially in artistic matters. I always needed to feel around me a genuine commitment to what I am trying to do, something simple and pure, that makes sense beyond the music itself.  Music is so essential that it cannot stand half measures. John shared his enthusiasm with so much conviction that I felt it enlightenned the project, and strenghtenned my confidence that was pretty much undermined. I’m sure he knows that.

Strangely enough, I’ve always felt more English than American : I learned English in Great Britain, I always liked the English reserve, the British humor, the ‘complex of the Island’ they have that makes them either odious or endearing. And British pop music of course…my dearest love. Unfortunately, my infinite admiration for brits remained very platonic, and when it comes to my music it’s from America that I received the most.

Since our first EP in 2006 Steve Fallone impressed me with his mastering skills. Igor and I met him in New York in 2008 at Sterling Sound Studios. I remember waiting in the lobby of the Studios and his assistant calling : “Steve ! here are the French !”. Everybody looked rather excited. It was sweet.
Steve works mainly at night and received us the following evening in his magnificent mastering booth. He was all alone in the studio, and it felt like a special moment. We listened to ‘hysterical’ freshly mastered on his amazing gear and Igor and I were really impressed. The following year he came to visit us in Paris with his wife. Since then he showed unconditional support. He has always worked with great rigor, enhanced so many crappy mixes I sent him, being always so accurate and so available for his french friends. And he is so irreplaceable that he is the one who introduced me to John Agnello.

Americans, or at least the two guys we’re talking about here, have a culture of sound and particularly rock that is absolutely breathtaking. Moreover, it is so natural that there is no need to talk about it. Before starting the mixes with John Agnello, I thought I’ll send him a small selection of tracks, to guide him, help him understand the overall mood of the record. I’m glad I didn’t because it would have been useless. These guys do not imitate, they adapt. This is what makes the experience so enjoyable and so special. With John, everything went smoothly, and between the mixes and the delivery of mp3, the friendly correspondence we had made this whole week unforgettable.

Thanks to him, the Bandit has finally found its way out of jail. And I found a new friend.

I’m going to New York in September to give a hug to John Agnello in real life. That’s the least I can do.

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La dissolution, la cave et le Music-Hall


Nous sommes déjà début avril.
La pochette trouvée, un premier titre lancé dans la jungle du net, puis quelques concerts pour se dégourdir les jambes, les premières chroniques, le tournage d’un deuxième clip, et un EP qui a sorti le bout de son nez.

Comme c’est long.
Et dire que l’album, dont la sortie est encore repoussée, ne sera pas dans les bacs avant la fin du mois d’août.

Je me souviens d’un café avec l’artiste Katel il y a 3 ans au moins. Je venais à peine de signer chez tôt Ou tard, j’avais les yeux qui brillaient ; nous allions jouer au Bataclan en première partie de Shaka Ponk, faire Taratata, et mon premier disque, Turtle Tales From Overseas allait sortir. Devant moi il y avait l’infini des possibles.
J’avais vingt six ans et je me souviens qu’elle m’écoutait avec une petite moue de vieux briscard. Plutôt que d’attendre la sortie de son deuxième lp en rongeant son frein, elle avait monté une tournée à l’arrache, dans des cafés concerts, pour faire découvrir son travail, pour supporter l’attente et se mettre en danger. Je trouvais ça dingue, je m’en sentais incapable, j’étais si contente qu’enfin on fasse tout à ma place.

Maintenant, je comprends mieux. Comment peut-on supporter une telle dissolution du temps entre les trois étapes principales de l’élaboration d’un disque : l’écriture, l’enregistrement, et la sortie (donc la diffusion, notamment via les concerts).
On ne peut pas.
Alors que le label sort des disques, et colle à un calendrier idéal (ou rêvé), de promo et d’airplay, dans un contexte actuel horriblement hostile, l’artiste, lui, a simplement envie de faire écouter ses chansons et de les jouer.
Dans le cas du Bandit, le processus a été si compliqué, pour enfin avoir un album que j’étais prête à défendre, que l’attente qui m’est imposée paraît d’autant plus difficile.
Les chroniques font du bien, même mauvaises, parce que je sais qu’il y a des oreilles inconnues qui ont découvert les nouveautés. Une petite appréhension est passée. Advienne que pourra.

Sortir de la cave

A peine deux concerts pour essayer les nouveaux titres, un à l’International devant un public clairsemé un lundi de décembre, un autre au Divan du Monde, où le set était plus maîtrisé, mais plus sage aussi, puis une date à Qimper, aux Hivernautes, pour remplacer au dernier moment une artiste australienne. La date qu’il fallait. Celle où l’on ne joue pas si bien mais où le sujet est ailleurs. Et enfin, une date à Nantes, devant 1200 personnes surchauffés à l’idée de sauter partout sur le set de Shaka Ponk. Et peut-être un de nos meilleurs concerts.
Monter sur scène était une autre étape après cette longue méditation de studio. Presque un an sans jouer…j’avais peur d’avoir oublié.


Après cette mise en bouche, je me suis souvenue de cette date énorme programmée le 4 avril 2012. Ai-je bien lu, bien entendu ? J’attends de le voir pour le croire. Le matin même, je me suis frottée les yeux : d’abord le nom sur la façade, les loges, le Marilyn, puis la scène…et voilà…nous y sommes.
Hier soir, il fallait abandonner backstage cette angoisse sourde de la première fois, et ne pas trembler en foulant la scène de l’Olympia. C’est chose faîte.
J’ai eu très peur, mais je n’ai pas tremblé.