To stream or not to stream ? Impressions

J’ai mis du temps à sauter le pas, mais ça y est je me suis abonnée à Spotify.

Pourquoi Spotify et non Tidal ou Apple Music, ou encore Deezer? Je ne sais pas. En grande partie parce que j’avais envie de varier les plaisirs, ne pas avoir un mac tout Apple, et parce que j’en avais assez de ne pas pouvoir écouter les playlists Spotify des artistes que j’aime.

Ce qui m’intéresse ici n’est pas la part ridicule reversée à l’artiste ou le fonctionnement économique du système, mais la façon dont le streaming modifie nos habitudes d’écoute.

Jusqu’à il y a un mois, je n’étais abonnée à aucun service de streaming. Mon téléphone était rempli de mp3 que je téléchargeais consciencieusement à partir des cartes de download récupérées dans les vinyles. Je n’achète plus de cds depuis des années, mais beaucoup (trop) de vinyles. Je n’écoute pas de musique dans la rue ou dans le métro, je n’ai pas de casque Beats ou Marshall à 300 euros, et mes habitudes étaient jusqu’alors assez old school. Je découvrais des artistes par recommandation, ou par le net, sur des sites spécialisés, fouillais sur youtube ou sur le site de l’artiste pour en savoir un peu plus sur son actu, ses projets, et si j’amais, j’achetais le vinyle. Parfois même aux US, directement auprès des labels, quand les artistes n’étaient pas disponibles en Europe, et tout en me délestant de 30 euros de frais de ports. Mais toujours avec le sourire et la certitude d’avoir soutenu un groupe indépendant de qualité et donc d’avoir fait avancer l’humanité dans le bon sens.

Puis j’écoutais ensuite le vinyle chez moi, au calme.

Spotify m’a obligée à changer un peu ces habitudes. Tout d’abord j’ai acheté un connecteur bluetooth pour pouvoir piloter facilement l’appli de mon tel ou mon ordi et profiter du plaisir de mon système de son sans envahir mon appartement de cables. Quand ça marche c’est plutôt pas mal.

Alors, un nouveau monde s’est ouvert à moi et j’ai erré dans l’immensité du catalogue Spotify.

Cette errance m’a permis d’écouter beaucoup de musique, beaucoup plus que d’habitude. A force de rebondir sur une suggestion de l’algorithme, d’écouter les playlists, d’aller fouiller chez mes contacts et espionner leurs préférences, j’ai perdu un temps précieux, fait quelques découvertes, mais en vérité, rien de véritablement marquant.

Le streaming rend passif et fainéant. Ma platine ne tourne plus, mais j’écoute tout, beaucoup, ce qu’on me suggère, ou ce qu’on ne me suggère pas, des albums anciens, des nouveaux, je découvre des artistes que m’étaient inconnus, et mon cerveau ne fait absolument plus la part des choses. Je ne peux pas vous citer le nom d’une seule découverte.
J’écoute beaucoup, vite, et mal.

Oui, le streaming nous encourage à une consommation quantitative et non qualitative, il n’y a aucun doute. L’immensité de l’offre n’est absolument pas contrebalancée par une démarche artistique des plateformes. Il y a certes des recommendations, par style, mais elles tombent à côté de la plaque une fois sur deux parce que c’est un robot qui applique son algorithme en fonction des albums écoutés par l’utilisateur, du temps passé sur tel ou telle page, de la vitesse à laquelle ce dernier à zappé le titre etc. L’automatisation tue complètement la dimension personelle de l’acte d’écoute. C’est un gavage organisé.
On peut toujours essayer de dégotter de bonnes playlists spécialisées, mais c’est long, fastidieux, et les choses vraiment intéréssantes sont bien cachées.

Pour un consommateur avisé, cette immensité donne la nausée.

A mon sens, une plateforme de streaming devrait être comme un disquaire. On ne devrait pas tout avoir à dispo, mais chaque plateforme devrait obéir à une ligne artistique. Aussi les fans de jazz, soul, musique du monde iraient plutôt chez untel et les mordus de pop rock indé plutôt chez trucmuche. A cela s’ajouteraient des mises en avant censées, obéissant à une ligne artistique cohérente, comme lorsqu’un magasin de disque fait découvrir des choses à ses clients. Il y aurait des spécialistes.

Evidemment, si mon rêve se réalisait, le marché serait morcelé en une multitude de petites offres de streaming. Il y aurait les gros, bien sûr, mais on pourrait aussi aller chez les petits qui feraient un travail humain et à une échelle concevable, de défrichage et de découverte. Comme dans la vraie vie.

D’une façon plus générale, je pense qu’il faut remettre de la personnalité et de l’humain dans toutes nos entreprises, qu’elles soient commerciales, ou artistiques. Personne ne peut s’identifier à la société telle qu’elle fonctionne aujourd’hui, et ces plateformes sont un énième exemple d’un modèle vide de sens, où l’on accumule des catalogues d’oeuvres dans une immensité qui n’est pas absolument structurée.

Quelle culture musicale pourrions-nous bien nous forger en abandonnant nos oreilles à spotify et consorts?

Une culture chaotique et sans histoire, artificiellement assemblée par un robot qui, par définition, n’est pas très humain.

J’hésite à me désabonner.

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Gunshot

Un matin, une chambre d’hôtel dans un pays chaud. Un état écartelé par la guerre. Il est tôt, tout est calme. La lumière est belle et dorée. Elle se réveille et regarde son compagnon assis à la table de leur chambre écrire une carte postale. Il est photographe, ou journaliste, peu importe, mais il est là pour son travail.  Il la regarde et esquisse un sourire. Le coup retentit, la fenêtre est ouverte, il tombe de sa chaise. Un bruit sourd, et les oreilles se mettent à siffler. Puis plus rien.
C’est lui, le mort, qui raconte.

J’ai écrit ce titre pour mon nouvel album que j’ai terminé en août, et comme souvent, le texte s’est articulé autour d’images que j’avais en tête quand j’ai fredonné la mélodie.
Vendredi, trois heures après avoir posté le teaser de la vidéo que j’annonçais depuis une semaine, des assassins ont terrorisé Paris et volé la vie de centaines de personnes; une exécution planifiée et incompréhensible.
Ce titre est apparu comme une affreuse prémonition, non parce qu’il parle de terrorisme précisément, mais parce qu’il parle de la balle qui fauche. Avant elle il y a la vie et l’insouciance. Le mouvement et le langage. Puis en un instant il n’y a plus rien, juste le silence, l’absence, et le vide.

Lorsque j’étais à New York cet été j’ai beaucoup marché. J’habitais à Harlem près de l’université de Columbia. Lors d’un de mes périples, je me suis arrêtée dans un petit café, à l’angle de Broadway et de la 97e. J’ai bu un thé glacé en rêvassant, mon Olympus argentique vissé autour du cou. Un jeune garçon est venu m’aborder pour parler photo. Il s’est présenté comme photographe, monteur et vidéaste, et alors que je lui disais que j’étais française il m’a répondu dans un français parfait que lui-même était haïtien. La conversation n’a pas duré et je suis rentrée chez moi en me disant que je voulais qu’il fasse des images de New York pour ‘Gunshot’. Je l’ai contacté le soir même et nous avons décidé de filmer, sans véritable objectif, une longue balade mélancolique dans la ville. Je ne savais pas ce que j’allais en faire, mais j’étais là-bas et je voulais me souvenir. Cette ville est si belle en noir et blanc.

J’ai donc passé les jours suivants à marcher avec lui, un peu partout dans la ville, et naturellement, nous avons beaucoup parlé. Gaël vient d’une famille catholique haïtienne, sa famille habite en Floride mais lui est venu à NY il y a quinze ans. Il a servi en Iraq et s’est converti à l’Islam il y a peu.
Alors que nous partagions un avocado burger un soir, je me souviens lorsqu’il m’a dit, les yeux brillants, « I converted to Islam and I love it ».

On a tourné des images, puis je suis rentrée à Paris. Nous n’avions pas vraiment parlé depuis. Je lui avais juste envoyé le montage du lyrics une fois terminé. Le jour des attentats, dans l’heure qui a suivi les horribles événements, Gaël m’a envoyé un message sur instagram pour me demander comment j’allais. Nous avons échangé brièvement, dans la panique, et il a écrit cette phrase « Ok. Be strong! Keep G’d close. Help others keep their spirit high. Broken spirit would be victory for them. I fought against people like that. They lust over broken spirits. Keep the Faith and stay strong».

Si les mots de Gaël sont ceux d’un sage, c’est un ensemble de symboles qui se regroupent autour de cette chanson. Alors il y a ce thème, comme prémonitoire, cette mélancolie sourde, et Gaël, un musulman croyant et pratiquant, qui m’a aidé à faire ce petit film.

J’aurais pu être là-bas, avec tous ces gens. Je pense à eux, tout le temps.

One morning. A hotel room in a hot country. A state torn apart by war. It’s very early, everything is silent and the light is golden and beautiful. As she wakes up, she watches her lover sitting at the table accross their bedroom, writing a postcard. He is a photographer or a journalist, either way, he is there for work. He looks at her too and almost smiles. The shot blasts, the window is opened, he falls from his chair. A dull noise and the ears ringing. It’s over.
It’s him, the dead boy, who is speaking.

I wrote this track for the upcoming record I finished last August. As it’s usually the case, the text was built according to images and visual sequences I had in my head when I sang the melody for the first time.  And friday, three hours after I posted the teaser for the release of the video I planned weeks ago, murderers terrorized Paris and stole the life of hundreds of people : a planified and unbearable execution.
This song appeared like a terrible premonition. It doesn’t specifically talk about terrorism, but it talks about that one shot that takes life away. Before there is  innocence, movement and language. And in a glimpse, it’s all over and what’s left is absence, silence, and emptiness.

When I was in New York this summer I walked a lot. I was staying in Harlem near the Columbia University. One afternoon, I took a break in a little coffee shop at the corner of Boroadway and 97th st. I ordered an iced tea, all lost in my thoughts, my Olympus Camera hanging around my neck. A young man showed up, sat next to me and we exchanged about photography. He said he was a photographer, film editor and film maker. As I was mentionning the fact that I was coming from Paris, he answered in a perfect french that he was from Haiti. We didn’t speak much longer but as I was walking back home I thought it would be great if he could shoot images of New York for the track ‘Gunshot’. I reached out that same night and we agreed on making a video, guided by the idea that it would look like a long melancolic walk in the city. I had no idea what I would do with it, but I was out there and wanted to remember. New York is so beautiful in black and white.

So here is how I spent the following days wandering around the city with my new friend. Naturally, we ended up talking a lot : Gaël comes from a catholic family in Haïti and they now all live in Florida. He arrived in NY fifteen years ago, served in Iraq, and converted to Islam recently. I remember one night, as we were sharing an Avocado burger, he told me, with sparkles in his eyes « I converted to Islam and I love it ».

We shot the images, and I flew back to Paris. We didn’t really talk I left, only I sent him the final cut of the video when it was finished.
The day of the attacks, an hour after the awful events, Gaël sent me a message on instagram asking how I was doing. We briefly talked, as I was rushed by panic, and he wrote those words : « Ok. Be strong! Keep G’d close. Help others keep their spirit high. Broken spirit would be victory for them. I fought against people like that. They lust over broken spirits. Keep the Faith and stay strong».

Gaël’s words sound wonderfully wise, and everything about this song is symbolic. There is the theme, the heavy melancholy and Gaël himself, a convinced muslim, that helped me make this video.

I could have been there, with all those people. I think about them all the time.

Wake up
can you feel the world outside
Can you see me writing postcards
while the sun is bright
In bed, you are staring at the window
You can hear me fall, low
There’s a gunshot outside

In the papers, you never saw his face
And maybe it’s a nightmare,
Anyway it’s too late

Stand up, cause the world is still humming
It could a beginning
As the sun still shines
In bed, you’re still staring at that window
And your ears are ringing low
There’s a gunshot outside

In the papers, you never saw his face
And maybe it’s a nightmare,
Anyway it’s too late

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Montage of Kurt

I finally got a chance to watch the new Kurt Cobain documentary everybody has been talking about : ‘Montage of Heck ‘. Reading Buzz Osborne interview on the Talkhouse this morning made me jump ahead. If this documentary is 99% bullshit, I had to see for myself.

Well, as a matter of fact, I didn’t like it. I haven’t learned anything, and I thought it was just a collection of sounds and images, but couldn’t see any insightful purpose behind it all.

I read Kurt’s dairy and Charles R. Cross book “Cobain Unseen” a few years ago and I knew almost everything already : how the divorce of his parents affected him deeply, the fear of humiliation, how music and the development of Nirvana structured his life for a while, his influences and surroundings, how sudden was the exposure to massive media, as well as his struggle with heroin, the fake stomach issues to justify drug medication, the shady influence of Courtney, and of course the awful ending.
What else is there to say?

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This being said, I did enjoy how the documentary was built. The animations are really great, the footage from his childhood, and some demos we can hear in the backround turned out being really inspiring. Unfortunately, the final result is nothing but a montage, and there is no convincing thread holding the images together.
Footages of Kurt and Courtney totally high while taking care of Frances Bean Cobain are terrible, and make you want to shut the whole thing down. What’s the point of showing this anyway?

It is obvious that Kurt was a smart yet fragile fellow, with a huge talent, and I do believe he is one of the finest songwriters ever. But as many others, he got crushed by success and mass exposure, and he couldn’t cope with being the leader of an entire generation. That’s basically all there is to know. There were many others like him. Celebrity and money often lead to bad influences, bad surroundings and bad people, all of this combined with drugs…well, it also usually leads to a bad ending.

Save two hours of your life for something else, you obviously don’t need to see ‘Montage of Heck’.
So there.

 

 

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Today is the day

Hello folks,

The last time I wrote an article on the blog was in March 2013. More than a year ago. Wow. Time sure flies. I thought maybe you deserve fresh news, and today is the day.

So, what happened since the release of Bandit ? As you may have noticed, the record had a very short lifetime. I wish we could have pushed it further, but things do not always happen the way one imagines it. Considering how complicated the making of this album has been for me, I can understand it was hard for people to get into it. I love this record though. I like the songs and I like the story it tells. But maybe it’s too monolithic on the musical side. I can’t really know. I don’t listen to my records after they are made. That being said, and it might sound strange, Bandit ended up being a prophecy of what my life looked like in the past two years. I said it all on the record right before it actually happened.
Music is definitely a mysterious matter. And so is life.

The two last years were really harsh for me, professionally and personally. Obviously I wasn’t busy touring, and after Bandit I had a violent meltdown. I seriously thought about quitting music and I started looking for a reliable job. Although I had to consider it for real, I somehow knew it was not a valid option. I updated my resume, sent a bunch of vapid emails, and, well…no way. I couldn’t give up the music. I was not ready for any kind of withdrawal. So I got away from Paris and spent a few months writing in my studio in the country.

Consequently, the band was going through a tough phase. I was pretty lost and the boys were anxiously waiting for me to make a move. I knew I needed a change, but I didn’t know what change I needed, and starting all over again was a scary option. As I was fighting against my apathetic state, I met a bunch of people, rang some old friends and followed the only thing I knew I could trust ; my instincts. And this is how I decided I would set up a new band.

I’m not going to tell a lot more about it here yet because honestly, I don’t know what’s next. Those of you who have been checking the social networks probably have an idea of what’s going on, and of who’s involved.
All I can say it that it has been really exciting, and everything added up so smoothly I knew it was the way to go. I got so much support from the people I work with and from the new recruits, it’s unbelievable. Their enthusiasm never failed, despite the fact that I was very confused, and not sure about anything anymore. They gave me the energy, the patience and faith I needed so I could get myself back together. All of a sudden I wanted to write solid songs they would be proud of, and would want to play with me on stage. I am so thankful for that.

Coming up with a song is not difficult when you know how to do it and I believe I had some decent training. But the real challenge is having something to say, as it can turn a basic song into something really special. And even though I was sad and unhappy, I had nothing to say. I was writing the same song over and over, focused on how hurt my little self was. Now I can say it was really poor.
The thing is, if you want to release records and write tunes that people love, and if you want to make a living out of songwriting, you’d better keep up with it. I was struggling but I didn’t surrender, and eventually I got better at it. Well, I hope so !

So here we are. The last nine months were a sort of long pre-production phase, where I wrote and recorded demos, on my own, and with the new band. It was a weird process overall as I transformed into something new. In the writing, that’s for sure, but also as a human being. I hope it’s for the best.

Also, I used some of the free time I had in the past years to travel a little. When I was really down I found an old Staten Island ferry schedule in my stuff and I planned a trip to NYC. I had a friend in Manhattan that offered his couch, and I thought it was the ideal time for me to run away from a bunch of things – not to say everything.
Looks like all the messed up souls converge in NYC at some point, right ? This city is so energizing, there’s a non-stop array of things going on, it’s just endless. I remember telling myself, one morning, as I was wandering around in Central Park : « This is my city, this is my city ! », and I couldn’t chase the idea out of my head.
This trip has surely been the highlight of my year 2013. When I came back, Paris looked different to me. I felt like a tourist. I still do. I love Paris dearly, but my heart is elsewhere. New York City haunts me and I belong there.

Maybe that’s one of the reasons why I rarely post in french and I do most of my writing in english. I apologize for those who would like to read more french on this page. It’s not that I’m trying to be hype or look super cool. The truth is, when I sit at my desk, and want to express something, english always happens.

I told you I was a different human being : I’m like a tourist in my own head !

From now on, I promise I’ll keep you updated more often.

Love you all.

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Thou shalt not become a rockstar

(english translation below)

Depuis quelques semaines la presse ainsi que le web s’intéressent au rock indépendant. Suite à un article sur le groupe Grizzly Bear publié fin septembre dans le magazine New York, le web et les journalistes s’emballent. À travers un entretien à rallonge qui évoque la genèse du groupe et ses questionnements, on y apprend – entre autres choses – que certains membres du groupe sont obligés de garder un job à côté de leurs activités artistiques. Suite à cet article, des milliers de commentaires et des débats sans fin ont envahi la toile et les réseaux sociaux, comme si, en somme, le monde découvrait à peine que vivre de sa musique au XXIème siècle était très difficile.

Coup de théâtre téléphoné, après Grizzly Bear, c’est Cat Power qui annule une partie de sa tournée, pour des problèmes de santé, mais surtout des complications financières. De quoi faire les choux gras des journalistes généralistes qui s’interrogent sur le (non) fonctionnement du business de la musique indépendante. Car Grizzly Bear ou Chan Marshall sont bien installés dans le paysage médiatique et incarnent une réussite réelle dans les limites des possibilités offertes par le business indépendant. Ils ont tous les deux vendu un nombre significatif d’albums, ont obtenu un succès critique et une aura internationale… et pourtant. Ni Grizzly Bear, ni Chan Marshall ne voyagent en jet privé. Comme c’est bizarre.

Entendons-nous bien, il ne s’agit pas de faire pleurer dans les chaumières. Je ne vis pas de ma musique, mais je tente de m’organiser pour lui consacrer tout mon temps. C’est un choix, compliqué, qui suppose un certain nombre de sacrifices, mais c’est le choix que j’ai fait. La plupart des artistes que je connais ont également trouvé d’autres moyens que les disques et les concerts pour subvenir à leurs besoins. C’est une simple organisation que chacun espère temporaire. Elle n’est cependant pas réjouissante, car le travail à accomplir afin de construire sa crédibilité artistique est titanesque quand bien même ce n’est pas lui qui paie nos factures.

Je suis malgré tout consternée de constater l’écho qu’ont eu ces articles dans la presse généraliste et sur le web. Comme si l’on découvrait, en 2012, l’immense fossé entre la reconnaissance médiatique et la réalité économique. Passer à la télévision ne signifie pas avoir un compte en suisse. Et aujourd’hui c’est encore plus vrai que par le passé, la célébrité ne tient qu’à un fil et ne dure à peine qu’un instant. Mais dans l’imaginaire collectif, les raccourcis erronés sont légion. Combien de personnes avec qui j’ai discuté étaient absolument persuadées que la signature avec un label m’assurait l’indépendance financière, ou – pire encore – que mon passage à la télévision était la preuve indiscutable que je n’étais pas à plaindre !

Cet article et les quelques autres qui lui ont fait écho m’ont également rappelé la longue et interminable conversation qu’avait suscité mon post ici même, suite à mon intervention sur Hadopi dans l’émission Envoyé Spécial, il y a maintenant deux ans. (https://pamelahute.com/blog/?p=91)
Si le piratage est toujours un sujet tabou chez les artistes indépendants qui ne savent pas vraiment sur quel pied danser pour ne pas froisser leurs fans, Eward Droste de Grizzly Bear est très clair à ce sujet. Acheter 9 $ sur un store digital un album qu’un artiste a mis deux ans à fignoler  – c’est-à-dire à peine le prix d’une grande part de popcorn au cinéma, plaisante-t-il – est plus important qu’il n’y paraît. Ce n’est pas tant en terme de revenus, les montants sont faibles à moins de vendre des quantités astronomiques de fichiers, mais comme Droste le rappelle, chaque disque vendu permet de construire la valeur du projet et de se rendre crédible vis-à-vis de l’industrie. Alors que le marché est encore en transition, c’est essentiel.

Faut-il donc simplement accepter qu’aujourd’hui, un artiste, à moins de devenir un produit commercial gigantesque, au détriment, trop souvent, de la qualité de ses créations, ne puisse pas vivre de son art seul ? Quand un membre de Grizzly Bear, groupe qui remplit d’immenses salles de concerts, espère bientôt pouvoir s’acheter une maison, et payer de bonnes études à son enfant, force n’est-il pas de constater que l’industrie survit sans véritablement fonctionner ? L’artiste est au centre de la problématique car sans lui il n’y aurait pas de musique du tout, et pourtant, il est le laissé-pour-compte. Comme l’a souligné David Lowery (http://en.wikipedia.org/wiki/David_Lowery & http://thetrichordist.wordpress.com/2012/06/18/letter-to-emily-white-at-npr-all-songs-considered/) dans une lettre ouverte à toute une génération, le problème réside dans l’évaluation des éléments de la chaîne. Pourquoi aujourd’hui donnons-nous davantage de valeur au réseau ou aux machines qui diffusent de la musique qu’à la musique elle-même? A quel moment cette absurdité est-elle devenue une désespérante évidence? Pourquoi sommes-nous prêts à dépenser des centaines de dollars pour acheter un iPod et réfractaires à l’idée de dépenser 9 $ pour acheter un album sur l’iTms. C’est une question insoluble qui masque mal une absence dangereuse de communication entre les géants de l’industrie et le public. Il ne s’agit pas de blâmer une génération, mais plutôt l’aider à comprendre à quel point les artistes ont besoin de ces 9 $, et pourquoi.

En faisant mine de le rendre plus accessible, le web a brisé le lien entre l’artiste et son public. En partageant la musique de l’artiste sans la payer, le public est persuadé de lui rendre service, car il le fait connaître au plus grand nombre. Il se rêve prêcheur. Mais en vérité, il s’éloigne de l’artiste, et de sa réalité.

Cet article du New York magazine a le mérite de décrire les choses telles qu’elles sont. Et le monde découvre combien elles sont désolantes.

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For a few weeks now, the press and the web have been discussing a lot about the indie music business. According to an article about the US rock band Grizzly Bear in the New York magazine published in September; both web and journalists are very excited. Through this long article, that tells us almost everything about the band – their rovings and thoughts – we learn,  amongst other things, that most members still have another job besides music. Thousands of commentaries and discussions invaded the web and social networks, as if the world was just discovering that making a living out of music in the twenty first century was not that easy.

Surprisingly enough, after Grizzly Bear, it’s Cat Power that announced she was cancelling part of her tour due to health issues and bankruptcy. The story stirred up a storm in the press which is now questioning the whole indie business. Both Grizzly Bear and Chan Marshall are confirmed artists, very well settled in the indie landscape. They have both sold a significant bunch of records, have critical acclaim and international aura…but still. They don’t have their own private jets to travel. How strange is that?

Let’s get it straight, I’m not trying to evoke pity. I don’t make a living out of my music myself, but I’m devoting all my time to it. It was a choice, a tough one, that meant a few sacrifices, but it’s the choice I’ve made. Most of the artists I know have found other way than playing gigs or selling records to pay their bills. It’s only about logistics, and we all hope it’s temporary. There’s absolutely nothing delightful about it though, as the work that we do to get an artistic credibility is titanic and is most likely never going to help pay our bills.

Despite everything, I am shocked by the strong repercussion those papers have had. As if people finally discovered the huge gap between the media’s gratitude and the economical realities. Airing on TV does not mean that you are a millionaire and today it’s even clearer than it was decades ago that celebrity fades in a glimpse. But in people’s minds, shortcuts are countless. How many people have I met thought that signing with a record label provided me financial stability or – even worse – that airing on telly was the indisputable evidence that I am sitting pretty !

This article and a few others reminded me of this endless chat that followed my 2010 blog post about the French Hadopi anti-piracy law right after my interview on TV. If piracy is still a touchy subject as far as indie artists are concerned, most of them not wanting to be in an awkward position towards their fans, Edward Droste from Grizzly Bear is pretty straightforward. He says that paying $9 for a digital download for an album a band took two years to make—more or less the price of a large popcorn at the movie theater- matters more than people seem to think. It’s not just in terms of income as the gains won’t be very important unless you sell a tremendous amount of files, but – as Droste says – every record sold helps to show the industry your project’s value. The market still being in a transitional state, it’s absolutely vital.

Shall we simply accept that today’s artists – unless they become a huge and probably dross product of the industry – can’t make a living out of music ? When a member of Grizzly Bear, a successful band that play gigs in huge venues, tells you he is only willing to buy a house and give a good education to his children, we must ask ourselves how the industry survives without running properly.

The artist is in the center of the whole problem as without him no music would be written, but still, he is left aside. As David Lowery said in his letter to Emily (which looks like the letter to a whole generation), we have it all wrong:”Why would we value the network and hardware that delivers music but not the music itself?” When did such an absurd idea become such an obvious and terrible fact? Why would we buy a $300 IPod and not spend $ 9 for an album on iTunes Music Store? It’s a question nobody wants to answer and it hardly hides the lack of understanding between the industry and the public. There’s no need for blaming a whole generation, but there is a need to help it understand how artists need those $9 and why.

Making him so easy to reach, the web destroyed the link between the artist and his fans. Sharing the music for free makes the fan feel good about himself. He is so convinced he’s helping. But instead he walks away from the artist and his reality.

This New York Magazine’s article at least tells things how they really are. And the world now discovers how depressing it may  be.

 

Special thanks to Valérie Risbec

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Références

Article original sur Grizzly Bear du Mag New York :
http://www.vulture.com/2012/09/grizzly-bear-shields.html

Débat sur le site stereogum  suite à l’article du Mag New York
http://stereogum.com/1166392/debating-the-grizzly-bear-ny-mag-story-and-making-a-living-making-music/top-stories/lead-story/

Cat Power et l’annulation de sa tournée sur the Atlantic Wire
http://www.theatlanticwire.com/entertainment/2012/10/theres-no-money-indie-music-cat-power-broke/58552/

La lettre de Davis Lowery à Emily, un must-read
http://thetrichordist.wordpress.com/2012/06/18/letter-to-emily-white-at-npr-all-songs-considered/

 

 

 

 

The Agnello Experience

Il y a plusieurs façons de faire un disque, c’est certain, et je n’ai pas choisi la plus simple. Les quelques lecteurs habitués de ce blog le savent bien.

Bandit aura donc déjà eu quelques vies et sera passé entre plusieurs mains. Après avoir re-enregistré le disque une première fois, puis une seconde fois, l’avoir mixé et masterisé, en avoir même sorti un extrait sous forme d’EP digital, je ne trouvais toujours pas le Bandit présentable. Au terme de quelques mois de réflexion et d’interrogations, nous avons tous les trois décidé, avec le support de mon label chéri, d’agrandir l’équipe et de confier le mixage du disque à quelqu’un d’autre. Accepter de ne pas tout faire soi-même, partager enfin, et grandir un peu en somme !

Alors qu’Ernest, Igor et moi épluchions les crédits de nos disques préférés à la recherche du mixeur de nos rêves, plusieurs noms sont apparus et la plupart semblaient inaccessibles. C’est finalement grâce à Steve Fallone, l’homme qui masterise nos albums à Sterling Sound depuis les débuts, qu’a surgit le nom de John Agnello, un de ses bons amis. La discographie de John m’a laissée rêveuse : Cyndi Lauper (!), Les Kills, The Breeders, Sonic Youth, Nada Surf, Dinosaur Jr… (http://www.johnagnello.com). Steve m’a proposé de le contacter, de prendre la température, et de nous mettre en relation. Bingo, deux jours plus tard, les présentations étaient faites et je lui envoyais les chansons. L’angoisse était insupportable, qu’allait-il en penser ? John m’a écrit qu’il adorait l’album et était impatient de participer à l’aventure. J’étais aux anges.

Au-delà de son univers musical et de son savoir-faire évident, John est un type absolument charmant et nos échanges d’emails se sont avérés hauts en couleurs. Je ne pensais pas que faire mixer mon disque serait aussi drôle. Et pourtant. L’expérience a été formidable, artistique, et très humaine, malgré la distance et le décalage horaire. Ou peut-être était-ce grâce à tout cela.

Choisir avec qui travailler est essentiel et pourtant si difficile. J’ai toujours eu besoin de sentir autour de moi un attachement authentique à ce que j’essaie de faire, quelque chose d’à la fois simple et pur, qui est au-delà de la musique elle-même. En vérité, la musique suppose tant de choses essentielles qu’elle ne supporte pas la demi-mesure. Chez John, j’ai senti un enthousiasme nouveau et différent, naturel et insistant, qui éclairait avec bienveillance ce disque alors que jusqu’à présent le Bandit, ainsi que ma confiance fragile, végétaient un peu. Il a certainement eu l’intuition de tout cela.

Curieusement, je me suis toujours sentie plus anglaise qu’américaine ; c’est en Angleterre que j’ai appris l’anglais, j’ai toujours aimé la pudeur anglaise, l’humour anglais ; ce complexe d’insularité dont ils ne peuvent pas se défaire, et qui les rend à la fois si odieux et si attachants. Et la pop anglaise, mon amour éternel. Hélas, cette admiration infinie pour les brits demeure très platonique, et lorsqu’il s’agit de musique c’est de l’Amérique que j’ai reçu le meilleur. Dès notre premier EP en 2006 Steve Fallone nous a conquis par sa science du mastering. Igor et moi l’avons rencontré à New York en 2008 à Sterling Sound. Nous avions été reçus comme des rois dans ces studios mythiques et son assistante l’avait appelé : “Steve ! ce sont les français !”.
Steve travaille essentiellement la nuit et nous avait proposé de passer le lendemain soir à Sterling. Il était tout seul dans les studios. C’était un moment spécial, on avait écouté ‘hysterical’ fraîchement masterisé sur ses enceintes de rêve. L’année suivante, il est venu nous rendre visite à Paris avec sa femme, a assisté à l’un de nos concerts. Depuis il a été un inconditionnel soutien à nos projets. Il a toujours fait preuve d’une immense rigueur, a (trop) souvent sauvé des mixs insauvables, toujours précis et disponible pour ses amis français. Il est si irremplaçable que c’est lui qui m’a présenté John Agnello.

Les américains, ou en tous cas ces deux-là, ont une culture du son et en particulier du rock qui est époustouflante. D’ailleurs, elle est si naturelle qu’il est inutile de l’évoquer. Avant de commencer les mixs avec John, je pensais lui faire une petite sélection de titres que j’aimais pour le guider, l’aider à comprendre plus vite l’état d’esprit global. Je suis contente de ne pas l’avoir fait, car cela n’aurait servi à rien. Ces types-là n’imitent pas, il s’adaptent totalement. C’est ce qui rend l’expérience si agréable.
Avec John, tout s’est passé avec un naturel déconcertant, et s’est installé entre les mixs et les envois de mp3, une correspondance loufoque et sympathique, qui a rendu cette semaine de travail inoubliable.

Grâce à lui, le Bandit a définitivement trouvé sa couleur. Et j’ai un nouvel ami.

Bref, je pars à New York en septembre faire une bise à John Agnello en vrai. N’est-ce pas la moindre des choses ?

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There are many ways to make a record, for sure, and I hate things when they are simple. The few regular readers of this blog know that. The album Bandit had a few lives and was passed around a million times already.
After recording the album twice, having it mixed and mastered three times, after releasing part of it as a digital EP, I thought we still didn’t had the Bandit ready.
It took several months of thinking and we all decided, with the support of my caring label, to add someone to our team, and entrust the mixing to someone new. I had to accept not having total control of the artistic process, I agreed it was time to open up and to grow up.

Several names appeared while we were searching in our beloved album credits, and most seemed inaccessible. It is thanks to Steve Fallone, the man who mastered our albums at Sterling Sound that the name of John Agnello came out, as he is one of his good friends. John’s discography was stunning: Cyndi Lauper, The Kills, The Breeders, Sonic Youth, Nada Surf, Dinosaur Jr … (http://www.johnagnello.com). Steve agreed to connect us and two days later, I sent him some songs. I was very anxious, what would he think? I felt awful while waiting for his answer. John loved the songs, and seemed eager to participate in the album. I was delighted.

Beyond his musical experience and his technical skills, John is absolutely charming and our email exchanges proved to be colorful. I never thought mixing my record would be that funny : the experience was fantastic, artistic, and exquisitely special despite the distance and the jetlag.
The choice of who you work with is essential and yet so difficult, especially in artistic matters. I always needed to feel around me a genuine commitment to what I am trying to do, something simple and pure, that makes sense beyond the music itself.  Music is so essential that it cannot stand half measures. John shared his enthusiasm with so much conviction that I felt it enlightenned the project, and strenghtenned my confidence that was pretty much undermined. I’m sure he knows that.

Strangely enough, I’ve always felt more English than American : I learned English in Great Britain, I always liked the English reserve, the British humor, the ‘complex of the Island’ they have that makes them either odious or endearing. And British pop music of course…my dearest love. Unfortunately, my infinite admiration for brits remained very platonic, and when it comes to my music it’s from America that I received the most.

Since our first EP in 2006 Steve Fallone impressed me with his mastering skills. Igor and I met him in New York in 2008 at Sterling Sound Studios. I remember waiting in the lobby of the Studios and his assistant calling : “Steve ! here are the French !”. Everybody looked rather excited. It was sweet.
Steve works mainly at night and received us the following evening in his magnificent mastering booth. He was all alone in the studio, and it felt like a special moment. We listened to ‘hysterical’ freshly mastered on his amazing gear and Igor and I were really impressed. The following year he came to visit us in Paris with his wife. Since then he showed unconditional support. He has always worked with great rigor, enhanced so many crappy mixes I sent him, being always so accurate and so available for his french friends. And he is so irreplaceable that he is the one who introduced me to John Agnello.

Americans, or at least the two guys we’re talking about here, have a culture of sound and particularly rock that is absolutely breathtaking. Moreover, it is so natural that there is no need to talk about it. Before starting the mixes with John Agnello, I thought I’ll send him a small selection of tracks, to guide him, help him understand the overall mood of the record. I’m glad I didn’t because it would have been useless. These guys do not imitate, they adapt. This is what makes the experience so enjoyable and so special. With John, everything went smoothly, and between the mixes and the delivery of mp3, the friendly correspondence we had made this whole week unforgettable.

Thanks to him, the Bandit has finally found its way out of jail. And I found a new friend.

I’m going to New York in September to give a hug to John Agnello in real life. That’s the least I can do.

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Mon deuxième est…

J’en suis revenue.

La Fabrique, 12 jours, 12 titres.

Lieu sublime, envie irrépressible d’enregistrer, et pourtant.

J’avais écrit ici combien le passage au deuxième disque était compliqué. Cette transition douloureuse, je l’ai expérimentée physiquement lors de ces douze jours passés à faire des prises. Donner le meilleur de soi pour dépasser l’amour enfantin du premier disque, progresser. Et puis ne pas trouver ce que l’on cherche, être exigeant jusqu’à l’épuisement.

Rythme effréné, soleil de plomb, peu de sommeil et beaucoup d’inquiétude. Plus de voix, plus d’oreilles. Si seulement j’avais su !

Dans quelques mois, ou quelques années, il m’en restera un souvenir amusé. Toute cette tension inutile alors que ce n’était que le second disque. J’ai le temps d’en faire des disques, et d’en voir des studios, des micros, des cabines, des control room. J’ai le temps d’avoir encore mille extinctions de voix, d’avoir peur, d’avoir envie de mieux faire, d’expérimenter.
Mais il faut une première fois à tout. C’était mon premier deuxième album et je peux dire aujourd’hui qu’il sera né dans un relatif inconfort.

Faut-il être à fleur de peau pour enregistrer un bon disque? Quel est le moment le plus important? l’écriture de la chanson, ou l’enregistrement définitif de cette dernière? J’ai toujours pensé que l’écriture était le moment clef. J’aurais tendance à changer mon fusil d’épaule après ces quelques jours. Enregistrer un disque est un acte horriblement définitif, sur lequel on ne revient pas. Ce qui est définitif est figé, mort. Alors qu’en concert on donne éternellement vie aux chansons, en studio on doit s’appliquer à tuer la chanson, au moment où elle est la plus belle.
Qu’il y a t il au monde de plus angoissant?

Peut-être que la chanson sera plus belle demain? qui sait. Ou était-elle plus belle hier?

Je le dis ici sans honte, j’ai détesté enregistrer ce disque.

Comment chasser ce curieux désamour ?

J’aime profondément ce disque et ce qu’il va devenir, mais je n’ai pas aimé le faire.
Quel affreux paradoxe.

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Thanks to Sarah Bastin for the marvellous photo. © Sarah Bastin – 2011

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Magical

Un peu plus d’une semaine déjà que l’album est dans les bacs, en vrai.

Je ne parviens pas vraiment à m’empêcher d’aller errer tous les 2-3 jours à la Fnac, discrètement et rapidement, juste histoire de voir si le disque est bien mis en avant, si les gens s’arrêtent, le regardent, l’écoutent, et l’achètent. Mais je ne tiens pas bien longtemps, je me sens vite complètement ridicule. Juste un coup d’oeil, le temps de voir que le vinyle est arrivé à la Fnac, et qu’il dépasse des bacs à St Lazare. Et vite aller se cacher dans le rayon musiques du monde.
Après cette activité hautement sportive, je me détends en achetant les disques des autres, à défaut de voir des inconnus acheter le mien : 1983 de Sophie Hunger, le DVD de Blur à Hyde Park et des White Stripes au Canada, Le dernier Hey Hey My My. Tous superbes.

Tous ces artistes dont je croise la promo, qui ont fait les mêmes émissions, qui ont rencontré les mêmes journalistes à un ou deux jour près, c’est marrant.
Bobby Bazini, par exemple, on s’est suivi partout, Taratata, Deezer, iTunes, MusicMe. C’est un peu devenu un copain du coup. Je m’imagine le croiser lors d’un festival dans quelques mois, et lui dire “Hey Bobby, tu te souviens quand on était tous les deux en home de Deezer”.
N’importe quoi.

Il y a aussi eu la messe de Taratata : sagement assise devant une télé, à siroter un bon Bordeaux tout en regardant, impatiente, la prestation de Charlie Winston & Luke.
Un joli Taratata; un peu froid à cause de mon goût affirmé pour l’Hitchcockisme, mais joli malgré tout. Les sms, les parents, et l’enregistreur qui a déconné. Le générique de fin aussi. Et puis le re-regarder sur le net quelques heures plus tard, toute seule. Et se dire que ça fait tout bizarre d’avoir sa page artiste sur le site de Taratata : un rêve de gosse.
(Pour revoir le Taratata, rendez-vous ici : http://www.mytaratata.com/Pages/ARTISTES_Fiche.aspx?ArtistId=1629)

Il y a aussi eu la Boule Noire, Sold out.
Un Sold Out de débutant, mais un sold out quand même. Un joli concert, l’impression qu’il y avait un public naissant juste pour nous, des gens qui avaient écouté le disque, et qui venaient se le prendre très fort dans les oreilles en live. Un sentiment très nouveau.

Et le lendemain, le pompon, auquel personne ne s’attendait. La une de métro; enfin presque, juste derrière Sarko. Re-déferlante de sms et autres messages : “je prenais mon café ce matin en allant au boulot, et j’ai vu ta tête dans Metro blabla !”
Il y a toutes les vagues connaissances qui grâce au pouvoir de la télévision, et l’efficacité des réseaux sociaux m’envoient des messages pour me rappeler leurs souvenirs d’enfance ou d’adolescence, combien à l’époque déjà j’avais la musique dans le sang et qu’ils étaient persuadés que j’allais réussir.

Bof.

C’est amusant; ce passage de la sphère privée à la sphère publique, en une semaine, juste parce que le disque est sorti. Alors qu’en réalité, rien n’a changé.

Cette aventure est grisante, et je savais bien qu’elle le serait. Même si ce n’est que le tout début, il y a malgré tout un cap passé, une marche franchie, quelque chose. Peut-être est-ce tout simplement le fait de sortir son premier album, et par la magie des médias, de se retrouver dans la cour des grands.

Les mots clefs : la magie des médias.

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Il neige sur cette nouvelle année

Lhasa de Sela s’est éteinte à 37 ans, à Montréal, sous la neige, alors que l’année 2010 commençait à peine.

C’était une artiste Tôt ou Tard, et elle ornait élégamment, avec tout son talent et sa beauté, le catalogue select du label. Je l’ai découverte en 1997 quand est sorti la Llorona, album superbe, que j’ai beaucoup écouté. Je scrutais les moindres inflexions de sa voix habitée, et j’aimais l’expression si forte de sa personnalité. L’originalité des titres, du son, et l’univers unique de cette Llorona avaient les allures d’un grand classique.

J’écoute peu de femmes qui chantent, mais sa voix dense m’avait étrangement marquée.
Sa disparition, si foudroyante, me fait un drôle d’effet.

Pourtant 2010 ne s’annonçait pas si mal.
Juste avant de partir m’isoler dans le sud de la France pour écrire de nouvelles chansons, jouer de la batterie très fort, boire du Pessac-Léognan et rêver à mon futur, j’étais passée chez Tôt ou Tard / Guess What qui avait reçu deux uniques exemplaires de l’album définitif. Noël avant l’heure. Ce petit objet imbécile que j’ai tant rêvé. Ce premier album, sa pochette, son livret, ses photos, son code barre (!).
Tous les détails les plus insignifiants sont la cause d’une infinie fierté. Cet album qui a déjà eu plusieurs minuscules vies, une histoire, et qui a failli se perdre sur d’autres chemins.

Mon premier album.

C’est celui-là même, qui sort le 22 février 2010 en Suisse, dans les bacs. Avant tout le monde.

Tandis que les albums ont la vie dure, que le format est méprisé, questionné, balloté, alors que certains ne veulent plus même en entendre parler, quel moment plus symbolique et fondateur pour un artiste que la sortie de son premier album?
Avec évidemment toute l’appréhension que cela suppose, les inconnues, cette angoisse excitante mêlée à l’impatience.

Envie que tout le monde sache, écoute, aime.
Envie de vous faire découvrir ces chansons, toutes ces chansons, mes chansons.

Alors que le monde pleure une artiste immense disparue, alors que même facebook et twitter semblent silencieux et moroses, alors qu’il neige dans mon coeur comme il neige sur le web 2.0, j’ai malgré tout violemment envie que 2010 m’appartienne.
Comme si j’avais 20 ans.

Pam.

Tahiti Boy & The Palmtree Family

Je suis toujours décalée dans mes découvertes, vous savez bien.
Je découvre les disques avec des mois de retard, parce que je ne fais pas confiance à la presse. Si elle en parle trop, je n’écoute pas. Et ainsi mon chemin croise parfois des artistes que j’avais sciemment ignoré.

C’est ainsi que j’ai découvert Tahiti Boy & The Palmtree Family.
Les inrocks et Magic en avaient fait leurs choux gras en mai 2008 lorsque l’album Good Children Go to Heaven était sorti en France. J’étais globalement assez méfiante à l’époque parce que le Tahiti Boy en question se montrait en public avec les mêmes lunettes que moi. Et je continue de trouver que tout le monde s’est approprié les lunettes vintage, certes avec beaucoup d’aisance, mais aussi avec pas mal de mépris envers moi, qui suis, rappelons-le, à l’origine de la mode.

A force d’errance sur le web, je me suis trouvée il y a deux jours nez à nez avec ce clip, coloré et joliment fait. Et ce titre, Brooklyn, n’est-il pas un single pop imparable ?

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Revigorée, je me suis empressée d’aller acheter l’album sur iTunes, en consommatrice modèle que je suis. J’aurais préféré acheter un vinyle, mais apparemment, rien de tel n’est jamais sorti.

Tahiti Boy & The Palmtree Family a livré ce premier album en France il y a plus d’un an, dans un contexte confidentiel mais enthousiaste. Good children go to Heaven est un authentique petit bijou de pop. Les compositions sont fraiches, enjouées, et délicieusement mélodiques, sans jamais être niaises ou ennuyeuses. La réalisation est absolument parfaite, élégante, riche comme le premier disque d’Arcade Fire. Pas de grandiloquence, juste un sens du détail aiguisé et des imperfections savoureuses dont on peut difficilement se passer.
Je n’ai pas un seul reproche à faire à cet opus. Il m’accompagne depuis deux jours sans faillir et sans céder à la moindre faute de goût.

Pour ceux qui étudient l’importance centrale de la flûte dans la pop music, voici un album récent qui vous permettra de vous documenter et de questionner à nouveaux vos certitudes.

Mais il faut rappeler que Tahiti Boy n’est pas tout à fait novice. Après avoir habité New York pendant des années et avoir travaillé pour quelques grands (Tv on the Radio), il continue de réaliser ou arranger pour d’autres.
La Palmtree Family est cependant un vrai groupe, composé de 7 musiciens au total, tous issus de formations très sexy dans le milieu rock français (feu Hopper, Syd Matters, Poney Poney).

Le génie mélodique du Boy mêlé à la crème des musiciens indie français laissait en effet présager une élégante réussite. Ce premier album à les troublantes allures d’un grand classique.

A voir : http://www.vimeo.com/1765895

http://www.myspace.com/tahitiboyfamily

http://www.thirdsiderecords.net

Pam.